Beiträge von Mattmatt

Zitat von seelanne

Einer der schönsten - und sinnvollsten - Threads hier im Forum. Immer wieder gerne, danke !

Wow, vielen Dank Seelanne!!

Zitat von Lexikon75

Beispiel: Akzentverteilung in Dreiergruppen.Geht relativ flott von der Hand.

Übers hören zu lernen ist natürlich toll.Würde ich auch gerne können,sozusagen als Ergänzung,wie ich mit Hilfe von Notation lerne.

Na siehst du! Solltest du dich mal mit Verteilungen in Fünfergruppen auseinandersetzen wollen, wird das nach der nötigen Zeit ebenso flott von der Hand gehen .
Ausserdem wag ich mal zu behaupten, dass – auch wenn du sie vielleicht über Notation gelernt hast - du die Dreiergruppenverschiebung jetzt im Gehör hast. Da
haben wir's doch schon . So wird das Gehör auch trainierter, und du kannst mehr wagen. Hast du die Dreiergruppen schon mal von verschiedenen Positionen
aus gestartet? Zum Beispiel einfach mal so bei 2+! Oder bei 4! (Über den Taktstrich ist immer knifflig, find ich (die 1 nicht verlieren!).) Dann lass dein Gehör
dich führen.

Zitat

Kann man sagen,dass er damit meint,dass man es nicht nur spielen kann,sondern es auch fühlt?

Ich bin natürlich nicht Jojo, aber ich würde es mal so interpretieren, dass man über die "Mathematik" etwas lernen und einüben kann, das man vorerst weder
fühlt noch (voraus)hört. Mit dem wiederholenden Spielen wird es jedoch ins Gehör und Gefühl gehen.

Was Jojo auch sehr schön gesagt hat (in seiner Hand-DVD): Es ist nicht nur entscheidend, wie schnell du spielen kannst, sondern wie schnell du hören kannst!
Gold wert! Hätt ich als Teenager nie begriffen leider, wag ich mal zu behaupten.

Zitat

Ich bin leider ein Solodengler,aber doch wissbegierig,wie sich solche Dinge auf das spielen in einer Band und üben von Songs auswirkt.Meine jetzt mit Dingen,die du in dem Video gezeigt hast.

Zitat von trommla

Sind solche Übungen dazu da, für den Fall der Fälle vorbereitet zu sein, wenn du ins Clinician-Geschäft einsteigst und Drummer beeindrucken musst?

Gute Frage! Haha ! Fürs Clinician-Geschäft wird es wohl leider nicht wirklich reichen, ausserdem bin ich da leider eher zu zurückhaltend als Person und würde vor dem Auftritt sterben .
Für mich sind es mehrere Aspekte: Ganz direkt macht es einfach Spass und klingt für meinen Geschmack geil. ICH hätte gern ein musikalisches Projekt (am liebsten mein eigenes), das solche Beats
und rhythmischen Spielereien schwer integriert, aber das ist eventuelle Zukunftsmusik, im wahrsten Sinne. Es GIBT ja auch Musik, in der solch Zeugs vorkommt. Soo abgefahren ist es auch nicht mehr.
Immer mehr solche Musik.
Dann indirekt ist für mich ganz einfach: Bassdrum-Platzierungen in einem Ostinato der rechten Hand sind eine Koordinationsübung, egal, welche Unterteilung. Und eine Koordinationsübung schärft meine
Koordination auch für alle weiteren koordinatorischen Herausforderungen, auch in "banaleren" 16tel-Situationen . Dasselbe kann man auch über alle möglichen weiteren Aspekte sagen, die man da
herausziehen kann.

PS: Die Sache mit dem freien Solieren und Nicht-aufschreiben-Können find ich übrigens nicht so dramatisch. Klar, ich würde danach streben, so bewusst wie möglich spielen zu können. Es ist sicherlich das Ziel.

Aber meiner Meinung nach ist es auf dem (langen) Weg des Lernens als Musiker so, dass verschiedene Bereiche sich mit der Zeit immer mehr annähern, und alle einzelnen Facetten verlieren in dem Sinn an
Bedeutung und Gewicht, sozusagen. Du lernst möglicherweise gut und leicht über die Abstrahierung durch Noten oder über das optische Erfassen von Notation. Andere lernen leichter übers Hören. Dasselbe
gilt fürs Spielen. Den einen fällt es anfangs leichter, sich Vokabular über vorgegebene Notation zu erarbeiten, sich so mit der "Sprache" auseinanderzusetzen, sich "Begriffe" anzueignen, das Handwerk zu erlernen.
Andere spielen lieber nach.

ABER: Per Definition spielt ja jeder beim freien Solieren frei ! Das ist ja auch die Idee. Sprechen, sich ausdrücken ohne Plan und ohne Vorgabe. Oder? Und auf besagtem langen Weg des Lernens (wobei der
Weg ja auch das Ziel und das Schöne ist an sich!) verändern sich auf jeden Fall die Herangehensweise, das Erfassen und Verstehen und der Bewusstheitsgrad des Spielens bei diesem freien Solieren.

Das freie Spielen geschieht ja intuitiv und nicht analytisch, und das soll um Himmels Willen auch so sein und bleiben!! Also nicht verrückt machen lassen und auch nicht dem Drang nachgeben, alles wissen und
verstehen zu wollen ! Einfach Spielen und Freude daran haben! Du kannst ja eine Aufnahme von dir im Nachhinein analysieren – wieso nicht!

Vielleicht könnte man mein ganzes Getexte auch viel kürzer fassen, indem man sich auf Jost Nickels wunderbare Aussage (sinngemäss) beruft: Unterscheide strikt zwischen Üben und Spielen! Übe konsequent
analytisch und strukturiert, aber spiele konsequent NICHT so !

Hallo hallo ! Vielen Dank für die Blumen!! Der Lehrer in mir will sich bei solchen Fragen unverzüglich hinsetzen und alles ausnotieren, aber bevor ich mich in solche Aufwände stürze, versuch ich es mit kurzer Erklärung .

Meine Idee oder Vorgabe war es, das Pattern der rechten Hand nicht zu verändern, aber anderes zu variieren. Das Pattern kannst du entweder als Gruppe von 5 16teln sehen oder als eine Quintolengruppe. Schläge 1, 3 und 4
werden gespielt, 2 und 5 sind Pause, sozusagen.

Du kannst auch insgesamt die ganze Aufnahme entweder als 4/4 sehen bzw. hören – dann wären es darübergespielte, polymetrisch verschiebende 5er-Gruppen – oder als tatsächliche quintolische Unterteilung, wobei dann
der letzte Part eine rhythmische Modulation wäre.

Ich selber habe irgendwie beides gefühlt, würd ich mal so sagen. Der Klick und der rhythmische Synthi haben sich nie verändert, die sind immer "normal" 4/4. Oder 5/4, wenn man es so sieht, dass nach 2 meiner quintolischen
Takte und 5 Klickschlägen beides jeweils wieder zusammenkommt. Hoffe, das ist verständlich!

Im letzten Part ändert sich die rechte Hand übrigens wirklich gar nicht, sondern nur die Platzierung von Bassdrum und Snare, was einfach die Perspektive total verändert. Und das ist es auch, was ich immer wieder lustig und
interessant finde , und weshalb ich mich fast am liebsten mit solcherlei Dingen beschäftige neben dem Üben der "richtigen" Dinge (sprich die üblichen Basics sowie Lernen von Songs für Bands und Projekte) .

Mein Setup, wie es gerade aussieht. Leider recht verzogen durch die iphonsche Linse ...

Grössen sind (v. l.):

14" Aux Snare
15" Hats
16" Crash und 8" Splash
8" Stack
13" Snare
10" Tom
12" Tom
16" Tom
22" Ride
12" Stack
18" Crash (fast aus dem Bild) und 10" Splash (ganz aus dem Bild )

Beat #38 – lustige Sachen in fünf am Üben ...

PS: Ist das ein Prolite-Kit?

Na da stoss ich doch auch noch zur Party dazu! Sehr schön getrommelt!

Hell's Kitchen ist auf dem recht unterschätzten (oder weniger gemochten) Album Falling Into Infinity. Wenn ich mal wieder Lust auf DT hab, hör ich da gern rein.

Zitat von Lexikon75

Tut mir leid.dass ich an dieser Stelle dein Thread etwas missbrauche.Aber ich denke,so hoffe ich,dass dies hier auch andere lesen,damit sie sehen,dass es mir unendlich leid tut was ich da angerichtet habe. Ich habe mich bei ihr auch schon persönlich entschuldigt. Ich denke auch,dass die Vorkommnisse und die dadurch resultierenden Entscheidungen hier ein großes Loch in unser DF reißen werden.

Wow, da muss ich ja mächtig was verpasst haben ... Hat sich jemand aufgrund eines Freds vom Forum verabschiedet?

Smelly, hast du in der Zwischezeit mal was von Rimshot gehört?

Ich sehe Hold The Line auch als 12/8, allenfalls 4/4 – was aber wirklich so gut wie dasselbe ist. Das Notenbild sieht nahezu identisch aus, beim 4/4 hat's einfach jeweils Triolen-"3"s obendran :D.

Zitat von orinocco

Wo ist da Referenz, wann ist da z.B. ein Sechzehntel dann ein Sechzehntel oder wird zum Sechzehntel. Das wir ja gerne in so einem Zusammenhang nicht selten erwähnt.

Also Ne Schöne Übung um mit Zungenbrechern umzugehen, könnte es allemal sein.

Die Referenz machst du . Man könnte so "chaotisch" spielen oder üben, dass man tatsächlich irgendwelche Schläge ohne eine Referenz spielt. Ich finde, das
ist auf die Dauer aber nicht sehr musikalisch, praxisorientiert und lehrreich.

Wahrscheinlicher ist es, dass alles, was du spielst, sich auf einen inneren Puls bezieht. Wenn du bestrebt bist, dich musikalisch bzw. rhythmisch zu verbessern, sicher und stabil
zu sein, fährst du besser, wenn du IMMER einen inneren Puls hast, der so beständig wie möglich sein soll. Noch besser dann der zweite Schritt, nämlich IMMER zu wissen, wo die
"1" ist, und sie nie zu verlieren (egal, ob du klassisch auf 4 zählst oder auf 11 oder was auch immer).

Je stärker man darin ist, desto freier kann man spielen! Sowohl allein als auch – vor allem – mit anderen Leuten zusammen. Je stärker der innere Puls, desto mehr kann man
am Instrument spielerisch ausbrechen, ohne sich zu verlieren.

Die Diskussion in diesem Fred ist letztlich beinahe schon eine nebensächliche geworden und bezieht sich ja bloss darauf, ob man diesen Puls jetzt Viertel nennt oder etwas
anderes. Dies ist vor allem wichtig in Bezug aufs Notenschreiben und -lesen sowie in der Kommunikation mit den Mitmusikern (keine Missverständnisse). Wie ich oben schon
mal schrob, ist die Mehrheit aller Songs wohl ziemlich "klar", bei einigen gibt es mehrere Möglichkeiten, welches Raster man zum Viertel erklärt. Zu matchentscheidend ist
diese dann aber sicher nicht.

Ich habe auch schon Sheets für mich geschrieben von Songs, die ich lernen musste für einen Gig, die ich nach der Hälfte verworfen hab und wieder vorne angefangen mit einer
anderen Viertelreferenz. Ich hatte vielleicht zuerst Viertel gleich 57 geschrieben und dann beim Takte zählen gemerkt, dass es zu häufig nicht aufgeht (da ein halber Takt, dort
eine seltsame Form) und wohl eher Viertel gleich 114 gemeint und gefühlt ist. Hat sich dann sinnvoller und schlüssiger angefühlt.

Noten und Sheets sind am Schluss ja auch wieder nur ein Zwischenschritt. Der Komponist hat die Musik sowieso im Ohr und im Kopf, der Spielende auch. Die Notation ist dann
entweder zum Weitergeben, zum Lernen oder zum Analysieren.

Bei Popballaden schreibt man häufig ein quasi schnelles Tempo und interpretiert das dann in Halftime bzw. Cut-time bzw. alla breve.
Das ist besser leserlich, vor allem die Gesangsmelodie, die dann aus vielen Achteln und gelegentlichen Sechzehnteln besteht, anstelle
von permanenten komplizierten Sechzehntelfiguren.

Ich würde sagen, es gibt so einen kritischen Bereich, der fast zu schnell ist, um schnell zu zählen, aber irgendwie ziemlich langsam,
um langsam zu zählen. . Ausserhalb dieses Bereichs ist es dann meist klar, welches die Viertel sein sollen.

Ein Kriterium für mich sind auch Harmoniewechsel und sonstige Schwerpunkte. Wenn du dich bei einem Song zwar entscheidest, ihn
"langsam" zu zählen, aber dann merkst, dass es häufig in der Form nicht schön rund aufgeht – Akkord- oder gar Sectionwechsel in der
Taktmitte, halbe Takte da und dort –, wäre das für mich dann ein Anzeichen dafür, dass es eher schnell gedacht ist und sinnvoller zu
zählen.

Dann gibt es auch die stilistischen Konventionen. Im Jazz zählt man grundsätzlich viel schneller als im Pop-Rock gewohnt. Country-
Train-Beats sind normalerweise so gezählt, dass die Bassdrum die Viertel markiert und die akzentuierten Snares in den Offs sind (+).

Im Allgemeinen ist es, wie Korki sagt, eigentlich egal, man sollte sich einfach einig sein in der Band, sonst redet man aneinander
vorbei. Aber das gehörte Resultat ist ja immer dasselbe. Ich würde das nehmen, was sich besser anfühlt, und das, was die Mehrheit
der Band fühlt.

Wow, du bist schnell, haha! Viel Spass beim Üben!

Meld mich mal an . Werden sehen! Nächste Woche sind noch Bergferien angesagt.

stk: Vielen Dank!!

m_tree: Vielen Dank, fühle mich geehrt! Ja dann hatte ich wohl Glück mit der Position meines Zoom-Recorders ! Aber passt – mir gefällt natürlich (und ausgewogen) gut!

Slinor: Vielen Dank!! Ja das stimmt; es war in den letzten Jahren auch ein Ziel von mir, überhaupt «meinen» Stil zu fördern und zu festigen. Und für dieses Projekt hier war
für mich klar, dass ich meinem Stil im Rahmen des Songs treu sein wollte. Ich habe das Original genommen. Um ehrlich zu sein, war mir gar nicht bewusst oder ich hatte
vergessen, dass es eine bearbeitete Version gibt, haha!

Michael Paiste auf jeden Fall noch.

Hatte nicht Pearl mal just ein Joey-Jordison-Kit im Angebot? Ich weiss nicht mehr, welche Konfiguration das war, aber schon was mit einigen Trommeln ...
War aus der Export-Serie oder so, meinte ich, also eher erschwinglich.

ICH HAB EINEN, ICH HAB EINEN !!

Vor einigen Tagen mein Set in den Unterrichtsraum gestellt, im Schulhaus einige Dörfer weiter. Heute morgen ein paar Durchgänge geholzhackt und jetzt spontan grad raufgeladen!
Momentan noch nicht gelistet; ich weiss nicht, ob ich das Ding öffentlich machen soll ... Nicht fehlerfrei bzw. nicht frei von ein paar Unschönheiten, aber keine Zeit und keine Geduld,
um noch weitere Stunden auf- und abzuspielen .

Freue mich, nun auch in die andern Versionen reinhören zu können!

Equipment: Zoom Q8, Ableton Live. Editing: None .

Hier gehts zum Video: https://youtu.be/fKZ00MvnvI0

Beat #37 – with diesel power ...:

Zitat von m_tree

Wieso? Wenn ich fragen darf.
Andere scheinen das ja auch so zu handhaben. Ich hatte schon vor meinem Entwurf und meinem Video die anderen Performances angehört.

Bin echt gespannt auf deine Version.

Um nicht beeinflusst zu sein bei meiner eigenen Version ...

Leider schaff ich es momentan nicht zu üben, geschweige denn eine Aufnahmesituation zu bewerkstelligen . Bedaure das sehr .

Gibt es denn niemanden hier, der das eigentlich Wesentliche erkannt hat??

Eine trommelnde Frau, die Elijah Wood heisst !?!